ich hasse die media - who said electronica was dead?

Per fer saber d’aquesta convocatòria…

Un compositor en estado de gracia en tránsito hacia la madurez y que, con un punto de melancolía, convierte la renuncia, el paso del tiempo, el deseo, los gestos más cotidianos del amor en extraños himnos que una se sorprende tarareando por la calle. Éste sería un resumen apresurado de lo que depara el nuevo disco de Mishima, un trabajo que se instala con fuerza en la memoria una vez termina la escucha y del que es imposible despegarse, tal es la fuerza de las imágenes que evoca y el apego que acaba provocando la voz firme y segura de David Carabén. El disco más completo de los catalanes, claramente beneficiado por la producción de Paco Loco, que convierte en ligeras las guitarras y pianos, en densos los ambientes ruidistas y catárticos los coros, y que funciona a la perfección en casi todas las opciones estilísticas adoptadas: desde ese tempo sincopado de “Neix el món dintre l’ull” a la cuasi desnudez acústica de “Qui n’ha begut”, pasando por “El temple” con su crescendo dramático que se antoja perfecta compañera para los directos de “L’estrany”, ambos temas con una capacidad de mutación imparable. Mención especial a la incursión en un texto ajeno (la adaptación de un poema de Joan Maragall en “Els ametllers”), que da la medida de la alta exigencia del resto de textos, uno de los fuertes de esta banda adictiva. [perelló]

Rating: 8.3

Después de cuatro años de silencio, Fibla nos obsequia con un sutil golpe de autoridad en la dispersa escena electrónica española, con un disco que amplia y mejora su anterior obra, mostrando las mismas constantes vitales que lo han convertido en un nombre de referencia, no sólo aquí, sino allende nuestras fronteras. Si bien las características son las mismas que las de “Lent”, ésta vez Fibla da en el clavo en muchos aspectos que hacían de áquel disco una obra menos redonda. La primera y más importante es la inspiración melódica. En “Liants”, hay canciones, buenas canciones con melodías que parecen rescatadas de pasados brumosos, como fotografías sonoras de lugares y objetos que anduvieran a medio camino entre la realidad y el sueño. Alejadas de toda pomposidad, esas melodías se dibujan sutilmente sobre bases cada vez menos abstractas, aunque no por ello menos trabajadas, siendo la mejor muestra de ello la irresistible “Barcassa”. La segunda es que sus referencias más obvias (Boards of Canada, los primeros Autechre) parecen quedar como eso, simples referencias, ya que Fibla ha conseguido finalmente crear un discurso propio que sobrevive a las comparaciones. Y la tercera, es el esmerado trabajo de producción; se nota que Fibla cuida al máximo los detalles y en sus canciones conviven elementos diversos que respiran y fluyen con inusitada naturalidad, escuchen sino “Delphy, Reel 3” y me cuentan: “Liants” son palabras mayores. [Bartolomé Ortega]

Rating: 8.5

Imposible tarea no acercarse con ciertas expectativas a un disco que viene firmado por Mitchell Akiyama, activo y prolífico músico canadiense con una capacidad sorprendente para transmutarse en cada una de sus nuevas reencarnaciones. Le hemos conocido como experimentalista afilado, laptopista dubificado, inquieto improvisador en el proyecto Arden, deconstructor guitarrístico en Désormais – en su proyecto a medias con Tony Boggs -, pero también, y como apuntándose al signo de los tiempos, como folkie con laptop en Avia Gardner, el proyecto que comparte con Jenna Robertson. En su nuevo proyecto Letters Letters, acompañado de los mencionados Boggs y Robertson, se decanta por una desasosegante reivindicación de los sonidos más arties del post-punk, y aunque la escucha continuada ofrece hallazgos en todos y cada uno de sus detalles, el proyecto parece mejor en la teoría que en la práctica y como con los juegos, es más divertido jugarlos que contarlos. Con un arranque más que interesante, con Boggs ejerciendo de distante y frío frontman, y unos arreglos que añaden detalles electrónicos al pop intelectual del grupo, la sorpresa se diluye pronto y la colaboración de Jenna Robertson como esforzada screaming-girl termina provocando cierto sonrojo. Experimento libre que pone a prueba los backgrounds de sus intérpretes, se antoja un capricho efímero de corta vida y menor alcance, y sobre todo, una desconcertante opción del sello Type, que parece querer dilapidar por la vía rápida su crédito como sello de culto y descubridor de joyas de neo-electrónica. [perelló]

Rating: 3.2

Sin alejarnos mucho del estilo que Burial ha hecho casi suyo, nos encontramos con una de las propuestas más originales e interesantes de la electrónica que se ha publicado últimamente. El que fuera parte de la escudería de Skam, publica en su propio sello Berkane Sol “Island Noise” un disco que satisfará a los amantes del dub y de la IDM a partes iguales: mezcla bombos y cajas desacompasadas, con bonitas melodías y melancólicos fondos. Un disco que puedes guardar junto a otros de Hyperdub, o junto a los de Neo Ouija… Seguro que no se enfadan. [mario]

Rating: 8.5

Vuelve uno de mis hooligans favoritos, Mr Mick Harris, que esta vez se ha cambiado de bando y ha dejado Hymen para fichar por Adnoiseam. “Stealth” sigue los pasos que Scorn siempre ha marcado: ritmos a medio tiempo, bastante minimalistas y con un toque “industrialoide”. Pero claro, ahora es tiempo de bonanza para el dubstep, e imagino que el señor Harris también ha caído en su influjo: marca más los bajos, mucho más gruesos, y acentúa esas reverberaciones infinitas que caracterizan al estilo. La verdad es que es un disco bastante absorbente y de sonidos “gustosos”, pero a mí siempre me pasa lo mismo, al final uno ya no sabe quién es dub y quién es step. Y es que todo me acaba sonando igual… Creo que abandoné muy pronto la “maría”… ;-) De todas maneras, es un disco muy recomendable. Quizás una versión más seca y nada negra del dubstep más oscuro. [mario]

Rating: 7

Extraño salto adelante el que realizan dos personajes barceloneses que se presentan ahora en un proyecto nombrado a partir de la unión de sus apellidos, en el que aúnan esfuerzos y bagajes diferentes en algo que suena a más que experimento y ganas de desconcertar a los amigos. Maxi Ruiz tiene sus pies bien firmes en la escena de baile barcelonesa, ya sea como miembro del dúo Ferenc o por moverse desde siempre en la órbita de uno de los clubes más destacados de la ciudad. Y aunque una no se imagina al enérgico, hiperactivo y siempre intenso Jaume Pantaleón (12 Twelve) bailando como un descosido, cosas más raras se han visto, y quizá una noche de frenesí terminara con el alumbramiento de este disco. Interesante por momentos – aquellos que recogen más claramente el diálogo fluido de las diferentes sensibilidades de sus protagonistas (como en “La ciénaga”) -, el discurso final adolece de una cierta dispersión, en la que parecen dominar o bien las guitarras o bien las máquinas, pero nunca a la par, sino en mera yuxtaposición en la que ni la colaboración del cantaor Enrique Morente – siempre emocionante – consigue borrar la frialdad general. Quizá la traslación al directo de este disco gane enteros y permita a sus autores sentirse más libres con cada una de sus armas. [perelló]

Rating: 3.5

Los sellos de Barcelona spa.RK y Lovethechaos y la recóndita galería de arte (y más) Niu se unen para presentar a lo largo de cuatro sábados del mes de febrero un pequeño panorama de artistas emergentes de la electrónica de Barcelona, con las actuaciones de Nikka (Lovethechaos), Compütah, Move? y Atmogat (Trachanik). Estarán además acompañados por sesiones de djs como Fibla, Lovethechaos dj, Max Plank y KOs. Una oportunidad más que interesante para degustar electrónica en estado puro, esa electrónica que no frecuenta las pistas de baile y que para nuestro gusto se deja ver poco en los escenarios de Barcelona. Una cita selecta con aforo limitado y distancias mínimas entre los artistas y su público. Además las paredes de Niu estarán adornadas todo el mes con los trabajos de Randomhead y N404, responsables de la imagen de los sellos mencionados.

Dejando de lado el aura de misterio que rodea a este hombre, digamos que lo ha vuelto a hacer. Nos ha vuelto a impresionar. Y mira que era difícil después de su debut. Pero sí. Por mí, si sigue así, ya puede quedarse en su habitación por los siglos de los siglos. Quizás sea el secreto para que su breve obra suene tan personal y original… Pero vamos a hablar un poco de Untrue, el nuevo trabajo de Mr. Burial.
Por un lado, el sonido cavernoso y subterráneo que impregnaba su debut sigue ahí, esta vez incorporando unas voces procesadas que tornan el resultado en una suerte de r’n’b deconstruído con ritmos entrecortados que casi, casi, incitan al baile (¡¡!!!). Pero no hay de qué alarmarse, el resultado es igual de narcótico y subyugante, fantasmagórico y nocturno. El sonido “marca de la casa” de Burial sigue ahí, y a pesar de los bajos espesos y retumbantes, del miedo que a veces provoca (prueba a escucharlo a oscuras y verás), y de esos efectos tan inquietantes, al final te quedas con una sensación extraña de paz y de tranquilidad. En este segundo trabajo todo se ha vuelto más atmosférico y flotante: si en el primer álbum el sonido se arrastraba, ahora planea y vuela sin motor. Nunca me hubiera imaginado que de un hombre que practica el autismo electrónico surgiera algo tan orgánico y emocionante. Quizás todavía es demasiado pronto para colgarle la medalla de salvador de la electrónica mundial, pero estoy segura que si le preguntas a algún chavalín de Croydon qué quiere ser de mayor, nos contestará: “¿Qué quiero ser de mayor? Yo de mayor quiero ser Burial”. [chulita]

Chica lista y aventajada alumna de Sufjan Stevens y The Polyphonic Spree (que la reclutaron para sus bandas de directo, antes de que la muchacha volara en solitario), el debut de Annie Clark bajo el nombre de St. Vincent concreta (y retuerce) en disco lo que dejaba entrever en sus desnudos conciertos. Que bajo su aparente fragilidad late puro fuego, que sus historias sobre zapatos o futuras sumisas esposas no son en absoluto convencionales, que la talentosa multiinstrumentista es generosa en ideas y que su prodigiosa voz (de texturas que por momentos recuerdan a Kate Bush) le concede un manejo certero del drama pero también de la jovialidad. Vistiendo sus canciones de momentos orquestales, voces que se doblan y coros efervescentes, St. Vincent consigue desplegar una energía magnética y aunque en algún momento bordea peligrosamente la intepretación de sus canciones como si de estándares se trataran, se salva milagrosamente con requiebros que la colocan en medio de un exhuberante musical hollywoodiense (“All My Stars Alligment”) o apuntando su mirada extraviada al pop menos acomodaticio. Ese que no elude la oscuridad, la intimidad, el riesgo y la valentía de erigirse en una voz original que se resiste a las comparaciones. [perelló]

Regresa el mexicano Fernando Corona dos años después de su aclamado Remembranza, un trabajo que le colocó en la punta del iceberg de una determinada forma de encarar la electrónica contemporánea y que le valió ser considerada una de las figuras más influyentes del momento, premio Qwartz al mejor artista emergente incluido. Líder carismático de una generación de músicos mexicanos que le tienen como ejemplo a seguir pero también como aliado en mil aventuras (Murcof da salida a trabajos de artistas de su país en su propio sello pero también es un excelente productor), su nuevo trabajo Cosmos demuestra que su evolución no es casual. Murcof ya andaba indagando en las posibilidades de la electrónica para medirse en el espacio de lo orquestal, lo sinfónico y lo cinemático y su obra, como la de otros artistas con los que se le puede emparentar fácilmente, como Xela y su Dead Sea (Type), abren un sinfín de posibilidades a la manipulación de texturas y sobre todo emociones en un discurso definitivamente adulto. Ambicioso y portentoso, un trabajo que funciona in crescendo y que se hace fuerte en las texturas más densas y oscuras, las que obligan a una interiorización más intensa, a lidiar con el barroquismo sonoro y las capas filtradas de ruido, de donde Murcof extrae sus momentos más conseguidos (el dramatismo de “Cosmos II” o los casi doce minutos de “Oort”). [perelló]

El canadiense Montag se decide por fin a quitarse la careta y en su tercer disco largo revela todo lo que tímidamente apuntaban sus anteriores trabajos, más escorados hacia la electrónica de dormitorio (el encantador Objets Perdus aparecido en Ai hace unos años), pero en los que ya se intuía toda esa carga de pop a la manera contemporánea que desvela en Going Places. Con una lista de contribuciones sanamente envidiable (Au Revoir Simone, Vitaminsforyou, el alquimista de la electrónica Ghislain Poirier), no parece casual la inclusión de selectos nombres como los de ISAN y M83. Porque Montag da aquí rienda suelta a la melancolía shoegazer, procesando guitarras y voces, añadiendo altas dosis de experimentalismo, fragmentando sonidos y ensemblando piezas, que parecen mínimas, en un puzzle que resulta cálido y vitalista. Pero es como si al armar el puzzle no perdiera de vista en ningún momento que la dimensión en la que quiere jugar es la de lo pequeño, la del detalle más nimio y la emoción conseguida con una sola nota. Más candoroso en sus nuevas formas, más delicado, como ese recorta y pega que llena la portada del disco y que, al igual que sus sonidos, está unido con pegamento y no con cola de impacto. [perelló]